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En présentant près de 200 œuvres et objets, le Musée de la musique-Philharmonie de Paris et le Centre Pompidou s’associent pour dévoiler la place fondamentale que la musique a joué pour Kandinsky dans son quotidien, dans sa vocation d’artiste et dans l’évolution de sa pratique vers l’abstraction. Outre une centaine d’œuvres et dessins, le parcours dévoile un cabinet imaginaire illustrant la mélomanie de Kandinsky. Les partitions qu’il acquiert, les livres et prospectus musicaux qu’il collecte, les photographies de ses amitiés musicales, sa collection de disques constituent des objets essentiels de sa culture artistique.

La production picturale de Kandinsky est indissociable de sa réflexion et de ses expériences sur la synthèse des arts. L’exposition met en dialogue tableaux et dessins avec ses différents projets pour la scène, ses poèmes explorant le « son pur » des mots, ou encore l’Almanach du Blaue Reiter (Cavalier bleu), qui tous opèrent l’unité fondamentale des arts visuels et sonores. Enfin, parce que la musique est aussi, dans l’œil de Kandinsky, un art de
la performance, l’exposition propose la recréation de plusieurs œuvres synesthésiques, comme le Salon de musique qu’il conçoit pour l’exposition d’architecture de Berlin en 1931.

La collection de la Fondation Louis Vuitton ne vise pas l’objectivité et l'exhaustivité d'une collection publique. Engagée, elle vise à faire partager les émotions et questionnements provoqués par certaines œuvres dont le pouvoir de « casser les règles » réinvente un rapport au monde. Pour le faire, elle s'organise naturellement autour de lignes sensibles qui dessinent quatre directions : Contemplative, Popiste, Expressionniste, Musique et Son.

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L'exposition réunit les œuvres de 72 artistes urbains ayant investi un plan de métro parisien historique. Le collectionneur Jérôme Dauchez a proposé aux artistes d’art urbain le plan de métro de Paris comme toile de fond à leur imaginaire. Ce plan datant de 1947 devient ainsi une surface d’expression symbolique où l’entrecroisement des lignes du métro, les courbes de la Seine et l’abondance de lieux emblématiques constituent la trame de leurs créations.

Fluctuart accueille pour la première une collection privée, celle de Jérôme Dauchez, pour une exposition qui met en exergue les relations mouvementées entre l'art urbain et le métro parisien. Les œuvres, entre mise en abyme des interventions des artistes in situ et interprétations de leur rapport à la capitale, proposent un panorama éclectique de l’art urbain, du graffiti au street art, en abordant toutes sortes d’expressions figuratives comme abstraites.

L’exposition éclaire les dernières années de la carrière d’Henri Matisse, entre 1941 et 1954, à travers plus de 230 œuvres, peintures, dessins, gouaches découpées, livres illustrés, textiles et vitraux, issues de la collection du Centre Pompidou et de prêts internationaux majeurs. Elle révèle la dimension pluridisciplinaire de sa pratique pendant cette période tout en réunissant un ensemble exceptionnel de gouaches découpées.

Dans cette exposition monographique, l'artiste américaine Mickalene Thomas (née en 1971 à New York) explore la visibilité et la représentation des femmes noires dans l’art, l’histoire et la culture populaire. À travers une synthèse vibrante mêlant de la peinture, du collage, de la photographie ou encore de la vidéo, elle réinvente le portrait classique avec une perspective queer et féministe noire particulière.

Reconnue à l'international pour sa pratique audacieuse et multidimensionnelle, Mickalene Thomas interroge l'amour, en tant que force de libération, d'affirmation de soi et de joie. S'inspirant du texte fondateur de bell hooks, All About Love : New Visions (1999), l'exposition célèbre le pouvoir de l'amour à transformer la vie personnelle et collective. La pratique de Mickalene Thomas réinterprète et bouleverse souvent les moments canoniques de l'histoire de l'art européen. Des œuvres faisant référence à des chefs-d'œuvre tels que Le Déjeuner sur l'herbe (1863) de Manet et La Grande Odalisque (1814) d'Ingres sont réimaginées au travers d'un prisme contemporain d'émancipation, plaçant les femmes noires au centre du récit.

Le Grand Palais invite les artistes Eva Jospin et Claire Tabouret à investir deux galeries reliées par une même entrée. D’un côté, Grottesco, un parcours foisonnant de forêts, grottes et architectures imaginaires ; de l’autre, D’un seul souffle ou les coulisses d’un projet monumental : les futurs vitraux contemporains de Notre-Dame de Paris.

Eva Jospin réunit plus d’une quinzaine d’œuvres, dont certaines inédites. Le titre de l’exposition s’inspire de la légende d’un jeune Romain tombé par hasard dans une cavité où il découvre des fresques oubliées de la Domus Aurea. Eva Jospin tire le fil dans une fusion de textile et de sculpture : un style où le végétal, l’architectural et le fantastique s’entrelacent. De l'autre côté, Claire Tabouret invite à entrer dans l’intimité de son processus créatif en dévoilant les maquettes grandeur nature, esquisses et travaux préparatoires des six vitraux qu’elle a réalisés pour la cathédrale Notre-Dame de Paris.

Le dragon originaire de Chine n’est en rien la créature maléfique et cracheuse de feu désignée sous ce nom en Occident. Il incarne au contraire l’énergie vitale universelle et l’élément aquatique. Ambivalent et incontrôlable, il assure l’harmonie du monde : la terre dépend de sa toute-puissance pour bénéficier des bienfaits du ciel. L’exposition présente une sélection d'objets et œuvres d'art, depuis les premiers dragons apparus sur les jades et bronzes antiques jusqu'aux formes populaires contemporaines, en passant par les arts impériaux.

Contrairement à son homologue occidental, démoniaque et cracheur de feu, le dragon oriental relie la terre au ciel, contrôle les pluies et joue un rôle vital. Il incarne le mouvement des éléments, la force et la fertilité. Polymorphe, il a évolué jusqu’à aujourd’hui à travers la culture populaire. L'exposition propose un aperçu des 5 000 ans d’histoire de l’iconographie du dragon à travers une sélection exceptionnelle d'objets et œuvres d'art. Cette exposition a été conçue avec le Musée national du Palais de Taipei à Taïwan.

L'exposition revient sur la naissance et l’évolution de la bande dessinée japonaise de la fin du XIXe siècle à nos jours. Après avoir exploré les influences occidentales, la presse satirique, les premiers pas du dessin animé, le kamishibai (forme de théâtre de rue pour enfant) et la créativité d’Osamu Tezuka, le père du Manga moderne, l’exposition invite le visiteur à la découverte de l’univers méconnu des rouleaux peints et livres illustrés des XVIIIe et XIXe siècles, considérés pour l’occasion du point de vue de l’art des mangas et de ses procédés graphiques.

À travers une sélection d’œuvres variées (planches originales de manga, revues, rouleaux peints et livres illustrés, objets et estampes), l'exposition replace les mangas dans le contexte culturel où ils sont nés, dans un face-à-face avec les œuvres du musée Guimet. Une partie est notamment consacrée à la mondialement célèbre estampe de Hokusai, Sous la grande vague au large de Kanagawa, et à ses reprises dans les mangas et la BD franco-belge. Des robes de haute-couture inspirées par la culture manga sont également dévoilées.

Dessinateur, comédien et chroniqueur radio, Geluck invente en 1983 Le Chat, qui deviendra en quelques années une icône de la BD comme le sujet de nombreuses expositions, notamment sous forme de sculptures monumentales en bronze sur les Champs-Élysées en 2022. Cette exposition revient sur la création du Chat désormais à jamais associé à Geluck, à travers la découverte des dessins de jeunesse du dessinateur, des aquarelles, des balbutiements puis de l’épanouissement du personnage. Les nombreux médiums convoqués par l'artiste sont mis en avant : croquis, dessins originaux, planches, toiles à l’acrylique, sérigraphies, objets improbables et sculptures.

Philippe Geluck est lui-même le commissaire de l'exposition, dans laquelle le visiteur pourra les découvrir, lui et Le Chat s’adresser à de prestigieux artistes comme Warhol, Picasso, Banksy, Vermeer ou Courbet. Dans cette liste des grands prédécesseurs, Courbet n’est pas cité par hasard car une salle sera consacrée à L'Origine du monde (non pas celle peinte par Gustave Courbet, mais une copie scrupuleuse attribuée à René Magritte – tableau jamais exposé jusqu’ici) dont l’histoire est à elle seule surréaliste.

La Fondation Louis Vuitton présente une rétrospective de l'œuvre du peintre allemand Gerhard Richter, né à Dresde en 1932, qui a fui à Düsseldorf en 1961 avant de s’établir à Cologne, où il vit et travaille encore aujourd’hui. Cette exposition, inédite par son ampleur et sa temporalité, réunit 270 œuvres de 1962 à 2024 — peintures à l’huile, sculptures en acier et en verre, dessins au crayon et à l’encre, aquarelles et photographies peintes — couvrant 60 années de création.

Gerhard Richter a toujours été intéressé à la fois par le sujet et par le langage même de la peinture, véritable champ d'expérimentation dont il n'a eu de cesse de repousser les limites. Quel que soit le sujet, il ne peint jamais directement d'après nature, ni d'après la scène qui se trouve devant lui : tout est filtré par un autre médium, comme une photographie ou un dessin, à partir duquel il crée une image indépendante et autonome. Cette exposition rassemble de nombreuses œuvres majeures de Richter jusqu'à sa décision en 2017 d'arrêter de peindre, tout en continuant à dessiner. Chronologique, chaque section du parcours couvre environ une décennie et montre l'évolution d’une vision picturale singulière.

Situé entre Bastille et Nation, dans une ancienne fonderie du XIe arrondissement parisien, l’Atelier des Lumières propose des expositions numériques immersives monumentales diffusées en continu. Avec 140 vidéoprojecteurs et une sonorisation spatialisée, cet équipement multimédia unique en son genre épouse 3 300 m² de surfaces, du sol au plafond, avec des murs s’élevant jusqu’à 10 mètres.

La Galerie Dior, qui témoigne de l’audace visionnaire de Christian Dior et de ses six successeurs : Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons et Maria Grazia Chiuri.

Depuis sa création en 1984 par Alain Dominique Perrin, alors Président de la Maison Cartier, elle expose des créateurs de tous horizons, en décloisonnant les pratiques et les champs de la pensée. Constituée au fil d’une programmation à dimension internationale, sa collection est le reflet de sa pluridisciplinarité et de l’étendue des thématiques abordées, en prise directe avec les problématiques contemporaines.

La Fondation Cartier déploie ses activités et ses engagements avec la volonté et l’ambition de rendre accessible la création contemporaine au plus grand nombre. À travers des projets d’expositions et une programmation de rencontres et débats, performances, conférences, elle crée des passerelles entre les lieux de création et nourrit un véritable espace de dialogue multiculturel.

En fonction des saisons et des événements, des tarifs promotionnels vous sont proposés. Vous pourrez également sélectionner des offres gourmandes, romantiques, familiales, festives, des offres longs séjours..