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La collection de la Fondation Louis Vuitton ne vise pas l’objectivité et l'exhaustivité d'une collection publique. Engagée, elle vise à faire partager les émotions et questionnements provoqués par certaines œuvres dont le pouvoir de « casser les règles » réinvente un rapport au monde. Pour le faire, elle s'organise naturellement autour de lignes sensibles qui dessinent quatre directions : Contemplative, Popiste, Expressionniste, Musique et Son.

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Sur tous les fronts, au milieu des soldats républicains en Espagne en 1937-1938, parmi les troupes américaines débarquant le 6 juin 1944 en Normandie, dans les fusillades de la Libération de Paris et jusqu’en Indochine où il meurt en 1954 dans l’explosion d’une mine, l’appareil photo à la main, Capa a tissé la légende du photographe de guerre. L’exposition raconte le parcours de cet immigré juif hongrois, en s’intéressant à la fabrication de sa légende et de ses images, de la prise de vue à la publication dans la presse.

Témoin engagé, Robert Capa a marqué durablement l’histoire du photojournalisme et a façonné la figure nouvelle du photographe de guerre. Plus de 60 tirages de presse d’époque sont présentés aux côtés de magazines, ouvrages, documents et objets personnels. En présentant l’œuvre de Robert Capa, l’exposition offre un regard historique sur une réalité toujours actuelle : celle du risque à prendre pour rendre compte de la guerre.

Figure flamboyante et visionnaire de la mode internationale, Gianni Versace (1946-1997) a marqué son époque par une esthétique audacieuse dans laquelle se rencontrent glamour, sensualité et opulence baroque. L’exposition explore les multiples inspirations qui ont façonné l’univers du créateur et rassemble près de 450 pièces exceptionnelles : créations et silhouettes originales, accessoires, croquis, objets décoratifs, photographies, vidéos et interviews.

Dans une scénographie pop, l'exposition retrace la carrière dédiée à la création de Gianni Versace. Du modernisme italien aux références à l’Antiquité de la Magna Graecia, des fastes du Barocco aux influences du Pop Art, le parcours révèle une mode nourrie d’histoire, d’art et de culture populaire. Il met en lumière les liens étroits entre Versace et les grandes figures de la culture populaire, des icônes de la musique aux personnalités du cinéma et de la scène internationale. L'exposition rappelle aussi le rôle déterminant des supermodels dans l’émergence d’une nouvelle ère de la mode.

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Jacopo Robusti, surnommé « Tintoretto » en référence au métier de teinturier de son père, s'impose comme l'une des figures majeures de la peinture du XVIe siècle. Il demeure toute sa vie à Venise, où se déroule sa carrière exceptionnellement longue. Cette exposition démontre comment son héritage artistique s’étend au-delà des siècles et des frontières jusqu'à en faire un artiste de référence pour la peinture française du XIXe siècle.

Principal acteur du maniérisme italien, Tintoret (1518/19-1594) développe une œuvre caractérisée par des compositions audacieuses, des perspectives vertigineuses, des effets de lumière spectaculaires et la vivacité de sa touche – la célèbre prestezza. Rassemblant une quarantaine de peintures et d'œuvres graphiques issues de collections publiques et privées, françaises, italiennes et internationales, l'exposition propose un parcours thématique permettant de saisir la diversité et l'ampleur de son œuvre.

D'un premier Autoportrait daté de 1942 à des dessins à l'acrylique relatifs à La Dernière Cène en 1986, la production dessinée de Warhol est aussi abondante que variée. Organisée en cinq sections thématiques – Excentricités, lieux communs ; Abécédaires et b.a.-ba ; Visages et masques ; Erotica ; Enfer et merveilles –, l'exposition comprend environ 150 dessins, une dizaine de peintures, des sérigraphies sur papier et photographies, des documents d'archives (imprimés, scrapbooks, vidéos…).

« Je voudrais être une machine » : cette épigramme célèbre d'Andy Warhol, et son choix de la reproduction photosérigraphique au début des années soixante, ont fait oublier qu'il a d'abord été formé à l'art de l'illustration et qu'il n'a cessé de dessiner jusqu'à ses derniers jours. Ses dessins, loin d'être accessoires et souvent très spectaculaires, sont une part essentielle de la conception que Warhol se faisait de son art.

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100 galeries d'art international.

Seul événement artistique pluridisciplinaire de niveau international en France,
Fine Arts Paris réunit au Grand palais, en septembre, une centaine de galeries couvrant toutes les époques et les spécialités du marché de l’art.

Cette édition 2026 invite le décorateur Charles Zana à insuffler sa créativité à la scénographie.

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Peintre française régulièrement présentée au sein du groupe des femmes impressionnistes, sans pourtant en avoir jamais vraiment fait partie, Eva Gonzalès (1847-1883) possède une touche particulière. Élève d'Édouard Manet, elle partagea avec lui les conceptions d’une peinture novatrice. Soutenue par ses proches, elle sut frayer son chemin dans un XIXe siècle peu favorable au succès des femmes sur la scène artistique.

L’ambition de cette exposition est de faire découvrir au public une artiste trop souvent perçue comme une figure de second plan dans l’histoire de l’art, en résonance avec les trois personnalités qui ont contribué à affermir son talent et à faire vivre son œuvre : Jeanne Gonzalès, sa sœur, Henri Guérard, son mari, et surtout Édouard Manet, dont elle fut l'unique élève.

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Le musée des Arts décoratifs célèbre le 40e anniversaire de la création du musée des Arts de la Mode en ses murs. Dans la nef du musée, 40 silhouettes de grandes maisons de mode offrent un panorama des expositions majeures présentées depuis 1986. Ce projet met en lumière les savoir-faire qui, des ateliers de couture aux coulisses du musée, transforment le vêtement en œuvre d’art.

Pensée comme une immersion dans les multiples vies du vêtement, l’exposition investit la nef et ses galeries latérales dans une scénographie épurée évoquant à la fois les ateliers de couture et les réserves muséales. Le parcours s’organise en trois grands temps qui conduisent le visiteur des coulisses de la création à celles du musée, du croquis initial à l’exposition, de la naissance d’un modèle à sa transmission patrimoniale. Le public peut aussi découvrir la beauté des œuvres et des objets qui participent à l’invention d’une pièce de mode : dessins, échantillons de broderie, patrons, dépôts de modèles…

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La Philharmonie de Paris accueille le panthéon musical du photographe, styliste et plasticien Hassan Hajjaj dans une installation musicale et visuelle célébrant la diversité de ses influences, l’individualité et la liberté de création. Hassan Hajjaj brouille les clichés dans un télescopage entre une culture africaine de la récupération (les boîtes de conserve sont récupérées, martelées, découpées, transformées en jouets, lampes et objets artisanaux) et la culture pop, utilisant les objets de la société de consommation, détournant les logos des grandes marques de luxe ou de la street culture.

Présentant près de 40 photos, l’exposition est une invitation à découvrir les multiples facettes d’un artiste né au Maroc au début des années 1960 et vivant son adolescence à Londres. Prenant la forme d’un grand salon marocain pop, l’exposition met en lumière ses origines, ses références culturelles hybrides et raconte son parcours diasporique d’artiste à travers la musique comme vecteur de communication et d’émotions. À la manière des photographes maliens Malick Sidibé et Seydou Keïta, il fait poser ses amis, qu’il aura parfois pris soin d’habiller,
devant des décors colorés.

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Pendant près d’un siècle, le cirque fait battre le cœur de Montmartre. Lieu de tous les possibles, il offre aux artistes un spectacle inédit du mouvement, de la lumière et de la métamorphose. L'exposition explore les liens féconds entre les arts du cirque et les avant-gardes. Peintres, écrivains et musiciens y nourrissent leur imaginaire pour créer des œuvres puissantes qui jalonnent l’histoire de l’art du XXe siècle.

À travers un parcours chronologique réunissant peintures, sculptures, dessins, affiches, costumes et objets exceptionnels, l’exposition met en lumière le rôle déterminant joué par le cirque dans l’élaboration des langages plastiques de la modernité. De la place de Clichy au boulevard Rochechouart, des baraques foraines à l’Hippodrome de Montmartre et au Cirque Medrano, c’est tout un territoire de spectacles et d’innovations qui accompagne l’émergence de nouvelles sensibilités artistiques.

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Figure majeure de la sculpture française du XIXe siècle, Auguste Bartholdi fut notamment l'auteur de La Liberté éclairant le monde. Conçue comme un cadeau de la France aux États-Unis et destinée initialement à commémorer le centenaire de l’indépendance américaine en 1876, la statue est finalement inaugurée en 1886. Entre-temps, Bartholdi et ses soutiens ont dû faire preuve d’imagination et de ténacité pour concevoir, promouvoir et construire ce qui était alors la plus grande statue du monde (46 mètres de haut, 93 avec son piédestal). L'exposition revient sur l'histoire de ce monument emblématique.

Emblématique des idéaux de son époque, la statue de la Liberté témoigne d’une indéfectible foi dans le progrès, aussi bien humain que technique, et dans des valeurs universelles auxquelles l’art peut donner une forme intelligible. L’exposition met à l'honneur l'auteur de ce chef-d'œuvre, Auguste Bartholdi, sculpteur alsacien au tempérament visionnaire. Elle retrace les choix artistiques, idéologiques, économiques et technologiques qui ont permis la réalisation de ce projet hors du commun.

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L’exposition ambitionne de présenter largement l’œuvre de Paul Cezanne (1839-1906) au regard de son héritage artistique, dans un dialogue constant, synthétique et inédit. L'accrochage alterne des recréations de présentations historiques et des salles privilégiant des confrontations œuvre à œuvre au parti pris esthétique plus fort.

Sous le commissariat de conservateurs du Centre Pompidou du Musée d'Orsay et du Musée de l'Orangerie, l'exposition prend en compte la manière dont Cezanne pouvait être vu et acheté par les artistes dès les années 1880, époque où il n'expose plus. Elle traite ensuite des moments clés de la reconnaissance française puis internationale de l'artiste à travers les premières expositions monographiques organisées. Il s'agit ainsi d'offrir aux visiteurs une relecture rétrospective de l'œuvre de Cezanne par le prisme d'un regard résolument contemporain.

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Jean-Paul Belmondo, icône du cinéma français, incarne une génération d'acteurs audacieux et novateurs. Son rôle mythique dans À bout de souffle en 1960 marque le début d'une longue carrière. Grâce à son style unique, son goût pour le risque et ses célèbres cascades, il a révolutionné le film d'action, ne cessant pas de repousser les limites.

L'exposition retrace l'évolution du paysage, depuis son triomphe au XIXe siècle jusqu'à ses réinventions contemporaines. Si le XXe siècle semble marquer un recul du genre face aux bouleversements idéologiques et historiques, le paysage a su résister, se transformer et demeurer un acteur majeur de la création artistique. S'inscrivant dans les commémorations du centenaire de la disparition de Monet, l'événement met en résonance l'œuvre du maître avec celle des artistes des XXe et XXIe siècles.

Onze sections chrono-thématiques – comme autant d'étapes d’une traversée, de chapitres d’une histoire de notre siècle – structurent cette exposition organisée conjointement par le musée Marmottan Monet et le musée de Grenoble : Nymphéas pour l’histoire ; Paysages en guerre ; Pays, paysage ; Abstraire la nature ; À l’origine ; Paysages intérieurs ; Passé, présent, futur ; Local, global, total ; Après l’histoire, le paysage ; Paysages de l’Anthropocène ; Paradis perdus ?

Claude Monet est considéré dès les années 1870 comme l’artiste impressionniste par excellence. Dans les années 1890, avec les séries comme Les Cathédrales, Les Meules, Les Peupliers, le peintre révèle une démarche proche de la dissection du temps, jusqu’au testament final des Nymphéas. À l'occasion du centenaire de sa mort, le musée organise une exposition centrée sur le rapport de l’œuvre de Monet au temps.

Une sélection de près de quarante peintures de Monet permet de redécouvrir l'œuvre du peintre à travers la notion du temps. Le parcours propose de réfléchir au sentiment d’accélération du temps et à la modernité durant la période impressionniste de l’artiste, à la captation de l’instantanéité par les séries et enfin au cycle des Nymphéas, à la recherche de transcription de la durée.

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La Galerie Dior, qui témoigne de l’audace visionnaire de Christian Dior et de ses six successeurs : Yves Saint Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferré, John Galliano, Raf Simons et Maria Grazia Chiuri.

Depuis sa création en 1984 par Alain Dominique Perrin, alors Président de la Maison Cartier, elle expose des créateurs de tous horizons, en décloisonnant les pratiques et les champs de la pensée. Constituée au fil d’une programmation à dimension internationale, sa collection est le reflet de sa pluridisciplinarité et de l’étendue des thématiques abordées, en prise directe avec les problématiques contemporaines.

La Fondation Cartier déploie ses activités et ses engagements avec la volonté et l’ambition de rendre accessible la création contemporaine au plus grand nombre. À travers des projets d’expositions et une programmation de rencontres et débats, performances, conférences, elle crée des passerelles entre les lieux de création et nourrit un véritable espace de dialogue multiculturel.

En fonction des saisons et des événements, des tarifs promotionnels vous sont proposés. Vous pourrez également sélectionner des offres gourmandes, romantiques, familiales, festives, des offres longs séjours..